El término
Renacimiento deriva del rináscita
italiano, que fuera utilizado hacia el siglo XIV por los grandes
escritores Petrarca (1304-1374) y Bocaccio (1313-1375), protagonistas del
movimiento de recuperación de la tradición clásica grecorromana.
El renacer de
la antigüedad se produce con admiración por parte del mundo intelectual y
artístico y no porque fuera desconocido, sino porque durante la Edad Media las
traducciones de las grandes obras de la Antigüedad se hallan incompletas y
salpicadas de comentarios realizados por los traductores monásticos. Lo
novedoso del Renacimiento reside en
acudir directamente a las fuentes latinas, árabes, hebreas y griegas
alcanzando, así, un inagotable caudal de ideas. Textos del Antiguo y del Nuevo
Testamento, de Heródoto, de Sófocles, de Platón, de Epicuro, entre otros, se
ponen al alcance de los eruditos (quienes valiéndose de sus conocimientos de
latín, de griego y del hebreo ─las 3 lenguas clásicas─ difunden el contenido
del clasicismo). Aunque debemos remarcar que el Renacimiento no solamente se
sustentó en la recuperación de la Antigüedad sino que se dieron novedades muy
significativas que contribuyeron a la creación de un arte realmente original
aceptado en toda Europa.
El Renacimiento
se enmarcó en un movimiento cultural complejo y ambicioso denominado Humanismo
(que abarca ámbitos filosóficos, religiosos, estéticos y literarios), nacido en
el siglo XV en Italia y se difunde a lo largo del siglo siguiente por
Europa. El tronco común de las manifestaciones del Humanismo es la
defensa del hombre y de su capacidad de conocer y comprender el mundo (en
oposición a las corrientes del pensamiento medieval que fundamentaban el
conocimiento humano en la fe). Así se produce un giro trascendental en la
historia del pensamiento occidental desde el teocentrismo hacia el
antropocentrismo que conduce hacia la secularización de la vida intelectual y
del arte (sin que ello implique el abandono de los temas religiosos puesto que
la Iglesia continúa siendo una institución demandante de edificios, esculturas
y pinturas). “Aunque claramente contrario a la escolástica medieval, este
movimiento de renovación de lo antiguo no estaba por ello falto de una
perspectiva cristiana”.
De hecho, los
humanistas eran profundamente religiosos. El Humanismo recuperó el contenido de
la filosofía platónica desde la perspectiva del neoplatonismo, que se convierte
en el inspirador de la creencia en un ser supremo, identificado con el dios de
los cristianos, del que emanan o proceden todos los demás seres. Estos seres
son la materialización de las ideas creadas por Dios, es decir, en el interior
de todo lo que se nos aparece a los
sentidos está la idea perfecta que el hombre debe buscar con sus sentidos y su
razón. Esta búsqueda de la idea de hombre de naturaleza perfecta convierte al
Humanismo en una corriente de pensamiento que tiene su manifestación estética
en un arte idealista que representa las cosas como deben ser, mas que como son
en la realidad. Por ello se explica que los artistas del Renacimiento persigan
la perfección y la belleza armoniosa (y ello se debe a que están contagiados
del neoplatonismo). El arte imita la naturaleza y la idealiza, no buscan la
representación de hombres concretos sino del hombre perfecto que encarne la
belleza eterna, ya que lo más bello y armonioso está más cerca de la divinidad,
del modelo creado por Dios.
El mayor mérito
de la difusión del Humanismo en Europa se lo llevó la invención de la imprenta
hacia mediados del siglo XV y llegado el final de ese siglo todas las ciudades
importantes de Europa contaban con imprenta (Nápoles, Florencia, Milán, París,
Lyon, Utrech, Barcelona, Valencia, Sevilla, Toledo, etc).
El gran impulso
intelectual y artístico que ocasionaron el Renacimiento y el Humanismo a lo
largo de los siglos XV y XVI se apoyó en el crecimiento de la economía y de la
sociedad. “Sicilia vio pasar a su población de 600.000 habitantes en 1501 a
850.000 en 1548 y a un millón en 1570”.
La causa de este aumento demográfico está en el período de paz que se
inicia a mediados del siglo XV. “Se pone coto a los interminables conflictos
bélicos entre Inglaterra y Francia en la batalla de Castillon (1450), finalizan
los enfrentamientos entre Francia y el duque de Borgoña con la derrota de
Carlos el Temerario en 1477. Los principales estados italianos firman la Paz de
Lodi en 1454. En Castilla termina la guerra civil con el acceso al trono de Isabel la católica en 1474, y resuelve la rivalidad con Aragón casándose con
Fernando de Aragón. Ambos ponen fin a la Reconquista cristiana del territorio
peninsular ocupado por los musulmanes e inician la conquista de América. La
nueva situación de paz generalizada produce un crecimiento acumulativo de la
población por disminución de la mortalidad en el grupo de edad que más merma
con la guerra: los varones jóvenes, cuya nupcialidad aumenta y consecuentemente
la natalidad. Aún así, la esperanza de vida es baja, entre 25 y 30 años. Se
hace posible repoblar campos, renovar la artesanía y dinamizar las ciudades y
el comercio. La coyuntura económica es favorable hasta finales del XVI”.
Desde el aspecto social se producen grietas en
el modelo medieval de organización de tres órdenes: los que luchan
(aristócratas), los que rezan (clero regular y secular) y los que trabajan
(campesinos, artesanos y comerciantes). El tercer grupo era cada vez más
heterogéneo porque la calma económica ofrece grandes negocios a los burgueses,
cuyo anhelo es llevar el estilo de vida de los aristócratas. Es muy
significativo el caso de los Medici (banqueros que se convierten en grandes
duques de Toscana y llegar a emparentar con la misma familia real de Francia),
o los Fugger (también banqueros que logran introducirse en la nobleza alemana
por el apoyo que le dan a Carlos V). Este ascenso en la escala social de
algunas familias burguesas es muy importante para el arte del Renacimiento
porque se convierten en mecenas de pintores y escultores, además de hacerse
construir grandes palacios y monumentos conmemorativos. Sin embargo, la gran
masa social está compuesta por campesinos ─cuya vida al borde de la subsistencia
apenas cambia─.
Consideramos que
es importante hacer referencia a la obra “Utopía” del político y humanista
inglés Tomás Moro (1478 – 1535) en la cual el autor describe a una República
ideal e imaginaria regida por sabias leyes (que le aseguran un mínimo de
felicidad a todos los que la habitan a cambio de su trabajo). El libro es una
crítica a la sociedad de su época ya que el modelo que plantea “Utopía” se
opone a los males de la sociedad renacentista: la ambición por el poder y el
dinero a cualquier precio, la desigualdad social, el individualismo y egoísmo
imperante en los seres humanos por aquellos tiempos.
"La creación de Adán"
"El nacimiento de Venus"
"Jesús entre los doctores"
"La Gioconda"










Investiga
ResponderBorrar1) el nombre de la primera imagen cuyo autor es Leonardo da Vinci; de qué se trata; año aproximado de su realización; museo en el que se encuentra actualmente y un análisis del mismo.
2) autor del cuadro de la segunda imagen ("La creación de Adán"); año de su realización; localización de la obra y análisis de la misma.
3) nombre de la obra de Rafael Sanzio (tercera imagen); año de su realización; análisis de la misma indicando quienes son los personajes que aparecen en ella y significado del cuadro; además de señalar donde se encuentra actualmente.
4) autor de la obra de la cuarta imagen, cuyo título es "El nacimiento de Venus"; año de realización y museo en el que se encuentra; además de un análisis y significado de la misma.
5) autor de la obra de la quinta imagen "Jesús entre los doctores"; año de realización y museo en el que se encuentra; además de un análisis y significado de la misma.
6) nombre de la obra de Miguel Esteve (sexta imagen); año de su realización; nacionalidad del autor y análisis del cuadro; además de señalar donde se encuentra actualmente.
7) ¿Por qué a la séptima imagen se la conoce como "La maravilla del Renacimiento"? ¿De qué se trata? Para ayudarte toma como referencia que su autor es Miguel Angel. Desarrolla.
8) nombre de la obra de Tiziano (octava imagen); año de su realización; nacionalidad del autor y análisis del cuadro; además de señalar donde se encuentra actualmente.
9) autor y nacionalidad del cuadro de la novena imagen "La Gioconda"; año de su realización; análisis del cuadro y quien es la persona representada; además de señalar en que museo se encuentra.
10) nombre de la obra cuyo autor es El Greco (décima imagen); año de su realización; nacionalidad del autor; análisis del cuadro y quien sería la persona en él retratada; además de señalar donde se encuentra actualmente.
8) La pintura se llama "Amor sacro y profano" o (un nombre alternativo) "Venus y la doncella. Se hizo alrededor de 1515 por Tiziano, un pintor italiano del renacimiento.
BorrarRepresenta una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónica renacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.
1) El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1490 en uno de sus diarios. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en una circunferencia y un cuadrado.
ResponderBorrarPerteneció a la colección del escritor y pintor Giuseppe Bossi hasta que, tras su muerte acaecida en 1815, su colección fue comprada en una subasta por Luigi Celotti y posteriormente adquirida por la Galería de la Academia de Venecia, donde se conserva desde 1822, aunque se exhibe al público tan sólo una vez cada diez años por motivos de conservación.
Pregunta 5
ResponderBorrarEl autor de la Obra "Jesús entre los doctores" fue Paolo Veronese, un pintor italiano, figura central del Manierismo veneciano.
Esta obra se realizó en el año 1560 y se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.
La obra hecha por Veronese demuestra el pasaje homónimo del evangelio de Lucas (2, 41-50), donde se relata la presencia de Jesús entre los rabíes, o exégetas del judaísmo, a quienes vence en la disquisición teológica, aspecto que se señala al situar a Cristo en lo alto del centro axial de la composición.
4)”El nacimiento de Venus” (en italiano: Nascita di Venere) es una pintura de Sandro Botticelli (1445-1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está realizada sobre lienzo y mide 278,5 centímetros de ancho y 172,5 cm de alto. Se encuentra, actualmente, en la Galería de los Uffizi, Florencia.
ResponderBorrarTradicionalmente se ha creído que esta obra, como “La primavera”, fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar la Villa di Castello, en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después. Estudios recientes indican otra cosa: “La primavera” se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y “El nacimiento de Venus” fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco la persona para la cual fue realizada. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484; en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.
Solo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por Simonetta Cattaneo, llamada Simonetta Vespucci o simplemente «la bella Simonetta», una musa florentina elegida por los Medici. Estos documentos de pictografía indican que para el año 1499 ambos estaban instalados en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.
Las fuentes literarias de esta obra son “Las metamorfosis” de Ovidio y Angelo Poliziano. Además, existía en la Florencia de la época el recuerdo de una pintura legendaria del griego Apeles, titulada precisamente “Nacimiento de Venus” y que Poliziano describe en una poesía.
Según cuenta la leyenda, Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Saturno y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores.
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología, común a muchos artistas del Renacimiento.
Una ninfa espera a la diosa en la playa para cubrirla con un manto rojo con motivos florales. Se trata, específicamente, de Primavera. Lleva un traje floreado; es blanco y está bordado de acianos. Un cinturón de rosas rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto, planta sagrada de Venus y símbolo del amor eterno. Entre sus pies florece una anémona azul.
2) "La Creación de Adán"
ResponderBorrarAutor del cuadro: Miguel Ángel Buonarroti
Año de su realización: Alrededor de 1511
Localización de la obra: Capilla Sixtina (Museo del Vaticano, Roma)
Análisis: Esta obra está dividida en dos: en la derecha se lo ve a Dios y en la izquierda a Adán. Dios está representado como un anciano vestido con una túnica y barba blanca. Con su brazo izquierdo está abrazando a una mujer que se dice que es Eva y con el derecho pretende dar vida a Adán. Los brazos de Adán y Dios están extendidos y no se tocan. Adán está reposado sobre un pedazo de tierra con una posición casi igual a Dios y sin ropa, contrasta con Dios en que ofrece una imagen mucho más terrenal.
6) El nombre de la obra de Miguel Esteve es La Sagrada Familia en el taller de San José. Fue pintada entre 1515 y 1520. Actualmente se encuentra en el museo de bellas artes de Valencia.
ResponderBorrarMiguel Esteve fue un pintor renacentista de nacionalidad española.
Es una pintura que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. La luz se trabaja con más perfección, pero sirve para resaltar planos, desaparece la obsesión por la perspectiva. Es realista: figuras humanas o animales, y objetos inanimados producidos con cuidado para que se parezcan a sus modelos reales.
3)•NOMBRE DE LA OBRA:"La escuela de Atenas".
ResponderBorrar•CUANDO SE REALIZO LA PINTURA:la escuela de Atenas es una de las pinturas más destacadas del artista Rafael Sanzio. Fue hecha en boceto entre1509 y 1510 y pintada entre 1510 y 1512 como parte de una comisión para decorar con frescos las habitaciones que hoy en día son conocidas como las estancias de Rafael, ubicadas en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano.
•NOMBRE DE LOS PERSONAJES DE LA PINTURA:la identidad de algunos de los filósofos dentro de la pintura, como Platón o Aristóteles, está clara, pero algunos estudiosos no coinciden con las de otros. Son identificados generalmente como:
1: Zenón de Citio o Zenón de Elea .
2: Epicuro.
3: Federico II Gonzaga .
4: Boecio o Anaximandro o Empédocles.
5: Averroes.
6: Pitágoras.
7:Alcibíades o Alejandro Magno.
8: Antístenes o Jenofonte.
9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere). 10: Esquineso Jenofonte .
11: Parménides.
12: Sócrates.
13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel).
14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) .
15: Aristóteles sosteniendo la Ética.
16: Diógenes de Sinopeo.
17:Plotino.
18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante). 19: Estrabón o Zoroastro.
20: Claudio Ptolomeo.
21: Protógenes como El Sodoma.
•SIGNIFICADO DE LA PINTURA:Rafael situó la Escuela de Atenas en un templo romano dominado por la perspectiva. Ordenó una composición rítmica con bóvedas de un edificio enorme, una especie de templo de la sabiduría que recuerda la arquitectura de la nueva basílica de San Pedro de Bramante. En el centro, dos estatuas : Apolo, Dios de la razón y Atenea, Dios de la Sabiduría. Apolo que representa la filosofía abstracta y teórica y Aristóteles representa la filosofía natural y empírica.
Rafael tuvo éxito en traer al mundo antiguo a la vida a través de lainclusión de muchas figuras de su propio tiempo.
•DONDE SE ENCUENTRA LA PINTURA ACTUALMENTE:Museos Vaticanos – Ciudad del Vaticano,ubicado en la famosa ciudad de Roma.
7) La 7º Imagen se encuentra en el país más pequeño del mundo, estamos hablando de la Ciudad del Vaticano, cede de la Iglesia católica y residencia del Papa, su máxima autoridad religiosa. La obra se encuentra entre las más grandiosas que dio el Renacimiento, es la Capilla Sixtina. Dentro de la Basílica de San Pedro.
ResponderBorrarSu construcción, a cargo del arquitecto Giovanni de Dolci, se llevó a cabo entre los años 1473 y 1481, durante el mandato de Papa Sixto IV.
Pero su arquitectura no es lo que más llama la atención sino los frescos que recubren paredes y techo por completo, muchos de ellos pertenecen a artistas como Botticelli, Perugino, Luca o Miguel Ángel. (La 7º imagen es íntegramente pintada por este artista incomparable).
El techo es una de las obras más impresionantes (de la capilla y de todo el Renacimiento). Los frescos, que representan las nueve historias del génesis desde la Embriaguez de Noé hasta la Separación de la Luz de la Oscuridad, pertenecen a Miguel Ángel, que tardó cuatro años en pintarlos, desde el 1508 hasta el 1512. Años más tarde, el papa Pablo III le encargó decorar el ábside, tarea que le ocupó cinco años de su vida, desde el 1536 hasta el 1541.
La imagen más famosa es la Creación de Adán, que se encuentra en la parte central de la bóveda y representa la historia del Génesis en la que Dios da la vida a Adán. Y sobre el altar mayor se encuentra una de las obras maestras de Miguel Ángel, El Juicio Final. Este cuadro representa el Apocalipsis de San Juan en unas dimensiones de aproximadamente 13 por 12 metros.
Esta obra tiene bien ganado el nombre de “Maravilla del Renacimiento”.
La obra de Miguel Ángel no es la única destacable. En la pared sur pueden apreciarse los frescos de La vida de Moisés y en la del norte La vida de Cristo, fueron pintados entre 1481 y 1482 por artistas como Pietro Perugino, Sandro Botticelli, Cosimo Roselli, Domenico Ghirlandaio, Luca Signorelli y Bartolomeo della Gatta.
La pared oeste posee dos frescos que sustituyeron a los originales, pintados por Domenico Ghirlandaio y Luca Signorelli, tras el hundimiento del arquitrabe de la puerta en el año 1522. La resurrección de Cristo de Hendrick van den Broeck sustituyó el fresco de Domenico Ghirlandaio y la Disputa sobre el cuerpo de Moisés de Mateo Pérez de Alesio al de Luca Signorelli.
Oriana Valdivia
ResponderBorrarpunto 9
AUTOR: Leonardo da Vinci.
NACIONALIDAD DEL AUTOR: Súbdito de la República de Florencia.
UBICACIÓN DE LA PINTURA: Museo del Louvre, París, Francia.
AÑO DE SU REALIZACIÓN: 1503-1519.
ANÁLISIS DEL CUADRO: En este retrato la dama está sentada en un sillón y posa sus brazos en el asiento.
El paisaje tal vez fue inspirado en las vistas que Leonardo pudo divisar en los Alpes, durante su viaje a Milán, aunque una última investigación reveló que el fondo es de la ciudad de Bobbio, en Italia. Se ha intentado muchas veces compaginar las dos mitades del paisaje que aparece tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados es tan grande que no permite diseñar una imagen continuada. El lado izquierdo parece estar más bajo que el derecho, entrando en conflicto con la física, puesto que el agua no puede permanecer quieta si existe desnivel en el terreno. En medio del paisaje aparece un puente, que muestra un elemento de civilización que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura. La ubicación geográfica del puente fue posible gracias a un códice que dejó Leonardo da Vinci, en el que se muestra la escena en la que se pintó. Una crecida, ocurrida años más tarde en el río Trebbia, destruyó el puente, que posteriormente fue reconstruido.
La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados. Según otros expertos, las cejas depiladas eran habituales en las damas de alcurnia florentinas o Leonardo evitó pintar las cejas y las pestañas para dejar su expresión más ambigua, o tal vez porque nunca llegó a terminar la obra. La dama dirige la mirada ligeramente a su izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.
El brazo izquierdo descansa sobre el de la butaca. La mano derecha se posa sobre la izquierda. Esta postura transmite una impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.
En el siglo XVI Leonardo da Vinci pintó a Mona Lisa buscando el efecto de que la sonrisa desapareciera al mirarla directamente y reapareciera sólo cuando la vista se fija en otras partes del cuadro. El juego de sombras refuerza la sensación de desconcierto que produce la sonrisa. No se sabe si de veras sonríe o si muestra un gesto lleno de amargura. Sigmund Freud interpretó la sonrisa de la Gioconda como el recuerdo latente que había en Leonardo de la sonrisa de su madre.
Un grupo de investigadores del Consejo Nacional de Investigaciones de Canadá que examinó la obra en 2004 utilizó un escáner de infrarrojos en tres dimensiones. El uso de dicha técnica, que permite una resolución 10 veces más fina que el cabello humano, permitió a los investigadores apreciar detalles hasta ahora desconocidos. Han opinado que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas o que habían parido recientemente. Entre sus peculiares conclusiones, el estudio consideró que el peso de la modelo era de 63 kilos y su estatura de 1,68 metros así como que llevaba el pelo recogido en un moño cubierto por un bonete detrás de la cabeza, y que no aparece ningún mensaje secreto en ninguna de las capas de la pintura, como se contaba en la novela El código Da Vinci.
El título oficial de la obra, según el Museo del Louvre, es Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, aunque el cuadro es más conocido como La Gioconda o Mona Lisa. Este título aparece documentado por vez primera mucho después de la muerte de su autor. Con respecto al nombre de Mona Lisa, más usado en fuentes anglosajonas, Monna es el diminutivo en italiano de Madonna, que quiere decir Señora.